Jsou to ženy, jsou černé a nedělají z toho umění

Nová výstava v Národním muzeu žen v umění konfrontuje dva falešné předpoklady zasazené do uměleckého světa. Za prvé, že ženy by měly dělat ženské umění, a za druhé, že afroameričtí umělci by měli dělat figurativní a aktivistické umění, díla, která konfrontují problémy rasy, nerovnosti, nespravedlnosti a dlouhou historii násilí vůči černochům.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960 to Today, se zaměřuje na černé umělkyně, které pracují mimo tento diktát nebo mimo něj. Dílo zahrnuje ohnivé abstrakce vytvořené se sraženými oceány barev a jemnými tisky s odstíny růžové a rafinovanými kružbami. Některé obrazy praskají ze stěn a dominují prostoru; jiní intimní ticho a přitahují diváka stále blíže k jejich záhadné uzavřenosti. Ale všechny vzdorují estetickým očekáváním zakořeněným v libovolných kategoriích rasy a pohlaví.

Jak vysvětluje úvodní esej do katalogu přehlídky, tito umělci pracují na periferii periferie periferie. Kde jsou tyto četné periferie? V žádném konkrétním pořadí priority neuvažujte první pohlaví a abstrakci. V polovině minulého století toto pole ovládali muži, kteří přepracovali myšlenky 19. století o hrdinském umělci a démonických silách emocionálního vyjádření. Ženy, které pracovaly neobjektivními styly, byly přehlíženy, marginalizovány nebo nesprávně interpretovány. Když se jim podařilo uspět podle vlastních představ, často to bylo proto, že vizuální jazyk, který používali, odrážel očekávání ohledně jejich těla a chování, malá, jemná gesta, tlumené barvy nebo opakující se formy, které uklidňovaly oko. Samozřejmě existovaly výjimky, ale výjimky posílily tradiční očekávání obvyklým způsobem, kterým se moc brání: Obviňujete nás, že vás vylučujeme nebo marginalizujeme? No, tento osamělý příklad v opaku podkopává vaše obvinění.

Dále zvažte rasu. Časový rámec, který tato výstava zahrnuje, sleduje historii umění od vrcholného hnutí za občanská práva v 60. letech až po hnutí Black Lives Matter naší doby. Mnohé ze zde zahrnutých žen odolávaly tahu umění, které bylo vysloveně politické nebo přímo o černošské zkušenosti. Abstraktní umění bylo často viděno v rasových pojmech jako elitní forma praktikovaná bílými umělci. Od černých umělců se očekávalo, že budou meditovat o černých myšlenkách a budou používat vizuální jazyk odvozený z myšlenek o afrických kořenech afroamerické zkušenosti nebo diaspory.

[Národní galerie se dívá na 10 Vermeers v kontextu umělcových vrstevníků]

Mildred Thompsonová, jedna z nejlepších umělkyň na této výstavě, by nic z toho neměla. Kopírovat symboly, kterým člověk nerozumí, záměrně používat formu, kterou neumí analyzovat nebo ocenit, pro mě bylo vrcholem prostituce, řekla. A nebyla ochotna postoupit abstrakci elitním umělcům: Možná proto, že jsem žil a studoval s ‚bílým‘, jsem se naučil vážit si své černoty.

Je to silné prohlášení nezávislosti, které je neustále zpochybňováno zakořeněnými zvyky kritiků, kurátorů, vědců, sběratelů a publika.

Takže obsažené umění působí asertivně, názorně, přímočaře a neomluvitelně. Ale kromě této sdílené citlivosti, existují mezi těmito díly nějaké vazby? Existují nějaké afinity stylu nebo detailu, které spojují jednotlivá díla se 40 dalšími na pohled? Existuje něco, co přesahuje jednotlivého umělce?

Toto je nebezpečné území. Jakmile začnete hledat tyto odkazy, riskujete, že omezíte právě to, co se umělci snažili zachovat: individualitu a sui generis expresivní obsah každého díla.

nejrychlejší způsob detoxikace od trávy

A přesto se zdá, že existují stopy pospolitosti nebo příbuznosti, zejména v tom, jak několik děl vyjadřuje pocit štěpnosti nebo rozdělení. Možná to vystihuje, jak na nás moc působí, jak vytváří rozdělení nejen mezi sociálními skupinami, ale i v našem smyslu pro sebe. Moc nám říká, jací bychom měli být, bez ohledu na to, kým skutečně jsme. Odděluje nás od naší vrozené důstojnosti a razí svou vlastní cenu našim nápadům, našim darům, našim příspěvkům.

Ve velké a dynamické skladbě Shinique Smith Whirlwind Dancer je dekolt fyzický. Obraz se zprvu zdá, že představuje jediný, jednotný objekt, jakýsi vír či vír, který nasál materiál a zbytky půlstoletí malby do smyčkového, vlajícího vyjádření čisté energie. Ale toto jsou vlastně dvě spojená plátna a jak studujete ten šev, uvědomíte si, že linie nebo tvary překračují rozdělení jen na několika místech. Tato metafora energie, která je celistvá, přestože je rozprostřena přes mezeru nebo trhlinu, je podstatou síly díla.

Socha Barbary Chase-Riboud, jejíž bronzové a látkové stély jsou letos na podzim k vidění v Galerii Michaela Rosenfelda v New Yorku, je horizontálně rozdělena, přičemž látková sukně jako by unesla obrovskou váhu bronzového torza. Socha zprostředkovává dialog, který mnoho lidí vnitřně cítí, mezi prvotním strachem, že by se všechno mohlo zhroutit, a vzrušujícím pocitem, že se nám to nějak daří udržet zavěšené v éteru nicoty.

[ Národní galerie portrétů vybírá umělce k malování Obamových portrétů ]

Jennie C. Jones je zastoupena tvorbou, která pomocí akustických panelů vytváří klasické, minimalistické abstrakce. Ale akustické panely s sebou přinášejí náznaky ticha a dichotomii ne nepodobnou té, kterou naznačuje dílo Chase-Ribouda: Jsou o tichu, které je plátnem, na kterém je napsána hudba, a osvobozující duchovní silou, nebo o aktu být umlčen, což je první a základní strategie moci?

Tyto dichotomie se šíří celou výstavou. V jednom obzvláště úchvatném díle, bezejmenném obrazu od Howardeny Pindellové z let 1972-73, je plátno pokryto malými tečkami stejné velikosti jako malé kulaté útržky papíru, které zbyly při použití děrovače papíru. V jiné práci používá skutečné kruhové papírové útržky smíchané s barvou k vytvoření zvláštně tvarovaného autobiografického díla odkazujícího na čas, který strávila v Japonsku. Ale v nepojmenované akrylové malbě pečlivě namalovala jejich dvourozměrnou stopu na plátno, které obsahuje iluzionistický vzor záhybů, jako by to celé nacpali do skříně nebo nechali ležet na podlaze, bez péče, až do nedokonalostí. nabylo podoby. Je to komplexní dílo, které nastartuje mysl řetězem otázek — kdo udělal tyto tečky, kdo a za jakým účelem papír děroval a co bylo napsáno na stránkách papíru, který byl děrován? — které v konečném důsledku ukazují na myšlenku textu nebo dokumentu, který nám je zadržován.

To je otázka, před kterou je třeba důsledně čelit moci: Co je nám zadržováno? Tato výstava je jednou, praktickou, pragmatickou odpovědí na otázku. Ale samozřejmě vyvstává další otázka: Co sami sobě zatajujeme?

Magnetická pole: Rozšiřující se americká abstrakce, 60. léta do současnosti je k vidění v Národním muzeu žen v umění do 21. ledna. Pro více informací navštivte www.nmwa.org.