Dílo umělce Hymana Blooma je uctívané. A těla jsou mrtvoly.

'Ženská noha' Hymana Blooma, 1951; olej na plátně. (Muzeum výtvarných umění, Boston/Timothy Phillips/Z fondu Stella Bloom Trust)

Obrazy hnijících mrtvol a rozevřených mrtvol, které vytvořil Hyman Bloom v letech 1943 až 1954, představují jedno z nejneobvyklejších a znepokojivě krásných děl v americkém umění.

Bloomovy obrazy děsivé i ohromující. Jsou zapáleny horkými, proudícími barvami, které propírají jejich povrchy jako plameny, pohlcují a proměňují nebohá těla, která zobrazují, v cosi duhového a éterického. Obrazy spolu s výběrem oslnivých, velkoplošných kreseb jsou předmětem skvělé, dlouho očekávané show, Hyman Bloom: Záležitosti života a smrti v Bostonském muzeu výtvarných umění. Souběh s úžasnou novinkou monografie na Bloom a reklamu show v New Yorku , výstava působí jako velká událost.

Bloom (1913-2009) je z velké části zapomenutá postava. Ale jeho brilantnost byla široce uznávána v polovině století. Jackson Pollock, Willem de Kooning a Franz Kline ho všichni ctili. Elaine de Kooning psal skvěle o svém raném díle. Velký renesanční učenec Sydney Freedbergová nazval ho virtuózem s barvou. A v dopise kolegyni básnířce Elizabeth Bishopové Robert Lowell napsal: Hyman je úžasně konzistentní, brilantní, asketický – stále více lidí říká, že je nejlepším malířem v Americe, a také je.

Tuto výstavu D.C. by měl vidět každý, koho zajímá migrační krize

Bloom se narodil ve zbídačené vesnici ortodoxních Židů v Lotyšsku a svá raná léta strávil v jednopokojovém srubu s hliněnou podlahou. Bylo mu 7, když jeho rodina dorazila na Ellis Island v roce 1920. Usadili se s Hymanovými dvěma staršími bratry, kteří emigrovali před první světovou válkou, v činžáku v bostonském West Endu, kde se osm lidí tísnilo ve třech pokojích.

Ve škole si Bloomova talentu všiml jeho učitel výtvarné výchovy v osmé třídě, který ho povzbudil, aby se zapsal do kurzů kreslení v komunitním centru. Umělec Jack Levine, který se stal Bloomovým blízkým přítelem, byl spolužákem.

Jejich učitel Harold Zimmerman kultivoval jejich talent experimentálním přístupem. Přiměl je, aby postupovali velmi pomalu, zpracovávali své kresby spíše zpaměti než přímým pozorováním, s malými značkami a úpravami, přičemž vždy zůstali velmi citliví na kompozici jako celek.

Jako teenager Bloom nakreslil boxery a zápasníky (jeho dva starší bratři byli kulturisté) a – v jedné úžasné kresbě zahrnuté v show – titánsky svalnatého muže, který se uvolnil ze silných provazů na mučicím kole. Přes odvážné malířské svobody jeho nejlepšího díla zůstala kresba – a lidská postava – až do konce zásadní.

Prostřednictvím Zimmermana se Bloom setkal s Denmanem Waldo Rossem, profesorem na Harvardské univerzitě. Ross dotoval další umělecké vzdělávání chlapců. Jeden večer v týdnu je učil malovat, zatímco Zimmerman pokračoval ve svých kurzech kreslení. Zimmerman také vzal Blooma a Levina do New Yorku, kde byl Bloom vystaven Chaimovi Soutineovi a Georgesu Rouaultovi, hvězdám jeho pozdější práce.

V jeho pozdních 20 letech se Bloomova kariéra rozběhla. Maloval synagogy, vánoční stromky a nevěsty idiomem, který čerpal ze Soutina, Rouaulta, Marca Chagalla a Jeana Dubuffeta, ale stále působil zcela originálně. Začal získávat podporu lidí, jako jsou Dorothy Miller a Alfred Barr, kurátoři v Muzeu moderního umění, a brzy inspiroval další umělce, včetně de Koonings a Pollock.

V roce 1941 měl Bloom zkušenost, která hluboce změnila jak jeho vnitřní život, tak trajektorii jeho umění. Jeho blízká přítelkyně Betty Tovey spáchala sebevraždu a její rodina ho v márnici požádala, aby identifikoval její tělo.

Bloom znal Toveyho více než deset let. Sdíleli dům a studio v Bostonu. Byla zcestovalá, kosmopolitní, uznávaná houslistka a o 10 let starší. Zdá se, že ti dva nebyli milenci, ale Tovey byla Bloomovou důvěrnicí v období, kdy zápasil s úzkostí a duchovním zmatkem. Když se vzdálil od praktikování judaismu, sdílela svůj zájem o metafyzickou literaturu. Bloom začal zkoumat teosofii, védántu (jedno z hlavních odvětví hinduistické filozofie) a další formy spiritualismu. Celý život zůstal hledačem.

Jeho zkušenost s viděním Toveyho těla v márnici ho přivedla k tomu, že se na smrt podíval z nové a krásnější perspektivy. Měl jsem přesvědčení o nesmrtelnosti, napsal, o tom, že jsem součástí něčeho trvalého a neustále se měnícího, o metamorfóze jako přirozenosti bytí.

Pohledný pozorovatel Bloomova umění v příštích dvou desetiletích by mohl předpokládat, že byl posedlý morbiditou a smrtí. A svým způsobem byl. Ale co ho skutečně zaměstnávalo, bylo hluboké propletení, konečná nedělitelnost, života a smrti.

Bloomův pohled na tělo téměř jako chytit do pasti , přestrojení, které má být zpustošené a rozervané, čím lépe skrz něj vidět, mělo v evropském umění spoustu předchůdců. Například umělci severní renesance (zejména Matthias Grünewald) namalovali zoufale zničené tělo Krista se specifickým cílem překročit tělesnost. Bloomovo elektrizující dílo lze považovat za součást této tradice.

Dva roky poté, co identifikoval Toveyho tělo v márnici, Bloom narazil na přítele, umělce Davida Aronsona, který byl na cestě do Bostonské nemocnice Kenmore, aby si prohlédl mrtvá těla. Pozval Blooma s sebou.

Většina popisů západního umění od renesance zahrnuje příběhy umělců, kteří porušují tabu a kteří, zvědaví na vnitřní strukturu lidského těla, obrátili svou pozornost k mrtvolám, což často podněcovalo kontroverze. Leonardo da Vinci a Michelangelo je studovali a pitvali. Rembrandt a jeho holandští spoluobčané v 17. století tradici rozvinuli.

Obraz dvou ambiciózních mladých židovských malířů v Bostonu, kteří spolu jdou do nemocnice, aby si prohlédli mrtvoly, tedy není sám o sobě pozoruhodný. A přece jen proto, že se psal rok 1943 a obrovské množství židovských spoluobčanů těchto dvou umělců bylo smeteno po Evropě a posíláno do koncentračních táborů, kde byli systematicky vražděni, je těžké nenechat se tím pronásledovat.

Bloom nezamýšlel své následující obrazy - ty, které dominují této show - jako komentář k holocaustu. Odhalení o katastrofě v Evropě se však jistě musela přiživit na jeho vlastní představivosti. A naše znalost těchto událostí nevyhnutelně tvoří součást prizmatu, kterým my vidět je.

Deset let po válce přinesl Bloom své nejsilnější dílo – nejen obrazy mrtvol a pitev, ale také fascinující, téměř abstraktní obrazy vykopaných hord pokladů. Tato třpytivá díla, postavená s nádhernými pasážemi texturovaného nátěru, zobrazují své předměty, jako by byly rozloženy vodorovně (jako tělo na desce) a při pohledu shora.

břeh jezer prstu penn yan

Bloom byl částečně inspirován snímky nedávných archeologických objevů. Obrazům dal názvy jako Archaeological Treasure a Treasure Map a zval nás, abychom viděli analogie mezi vykopanými poklady (a opalizujícím sklem, které obzvláště miloval) a lesknoucí se zářivostí vnitřku těla.

Deset let poté, co Bloom reprezentoval Spojené státy na Benátském bienále (spolu s Pollockem a de Kooningem), byl spárován s britským umělcem Francisem Baconem v show na University of California v Los Angeles.

Jak rád bych to viděl předělané. Oba umělci se zabývali odvrácenou stránkou lidského těla – tělem jako masem. Ale Bacon, důkladný existencialista, neměl v těle žádnou duchovní kost. Život pro něj byl formou divadla, hrou odsouzenou k marnosti. Bloom si naopak myslel, že je v tom něco víc. Byl to vizionářský umělec, zamilovaný do myšlenkových proudů, které se stávaly stále méně módní milovat. Nezáleželo mu na úspěchu ve světě umění.

Když kurátoři muzea navštívili jeho ateliér, slavně obrátil svá plátna ke zdi. Dlouho jsem přemýšlel: Snažil se Bloom utajit svá díla před očima, které považoval za neschopné pochopit? Nebo poznal, že jeho nedávné věci nebyly úplně podle jeho dřívější práce?

Možná byl jen skromný. Nakonec, jako mnoho opravdových hledačů, i Bloom šel svou vlastní cestou. Viděl, co viděl. Bylo pro něj stále méně důležité, abychom to viděli i my ostatní. Během následujících desetiletí produkoval dobré věci. Ale díla, která namaloval v desetiletí po druhé světové válce, zůstávají velkým a nesmazatelným počinem.

Hyman Bloom: Záležitosti života a smrti Do 23. února v Museum of Fine Arts v Bostonu. mfa.org .

Nejpůsobivější fotka z mise Apollo nebyla z Měsíce. Bylo to ze Země.

Hilma af Klint, žena, která malovala budoucnost

Jsou dokumenty o přírodě největším uměním naší doby?